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Benet Rossell, el artista pluridisciplinar

En esta ocasión os queremos acercar a la vida y obra del artista pluridisciplinar Benet Rossell, artista catalán del que, en estos momentos, tenemos una obra en subasta.

Biografía de Benet Rossell

Nacido el 1937 en Áger, Lérida, Benet Rossell fue pintor, poeta, escultor, dibujante, músico, guionista, grabador y cineasta experimental.

Benet Rossell

Benet Rossell

Licenciado en Derecho en la universidad de Barcelona y diplomado en Sociología en Madrid, descubrió su faceta artística en un viaje a París en el año 1962, cuando fue invitado a un Congreso Internacional de Economistas. Allí nació su amor por el cine y el teatro, constantes en su obra artística en todo momento.

Su Carrera

Sus primeras exposiciones artísticas tuvieron lugar en Barcelona y en París. Por aquel entonces firmaba como Beni y se codeaba con otros artistas catalanes del momento como Antoni Miralda, Joan Rabascall y Jaume Xifra, con los que vivió grandes momentos inmortalizados con su cámara, entre los años 1969 y 1973.

Vivió en Ámsterdam, Nueva York, París y España, donde realizó innumerables exposiciones de su obra. Murió en Barcelona en el año 2016 a la edad de 78 años a causa de la esclerosis lateral amiotrófica (ELA) que padecía.

Su Obra

Su obra es extensísima y refleja la variedad de disciplinas con las que trabajó. Creó una grafía propia con un alfabeto muy personal cercano a la pintura japonesa. Su obra parece sencilla pero encierra la esencia de la complejidad, lo que tiende a ocultarse sintiendo fascinación por los pequeños objetos ocultos, los descontextualizados, efímeros.

Nuestra Subasta

Nosotros, y hasta el día 01 de junio de 2017, tenemos la grandísima oportunidad de poder ofreceros en subasta una de sus impresiones litográficas. Conservada en muy buen estado, sus dimensiones son de 48 x 33 cm.Benet RossellPara poder participar en su subasta, sólo tenéis que registraros en nuestra web y pujar. El lote de la subasta es 28105711. Para más información entrar en el siguiente enlace http://bit.ly/2qRKv2V.

Genaro Lahuerta López

Hoy queremos hablaros de uno de los artistas valencianos mejor considerados de cuya obra tenemos en subasta esta carpeta con 12 de sus dibujos, Genaro Lahuerta López.

Dibujos de Genaro Lahuerta López

Biografía

Nacido en Valencia el 8 de febrero del año 1905, Genaro Lahuerta fue un destacado retratista que comenzó sus estudios, como muchos otros, en la escuela de Artes y Oficios de Valencia y la escuela de Bellas Artes de la misma ciudad.

Después trabajó durante un tiempo como ilustrador e incluso dio clases de pintura hasta que realizó su primera exposición allá por el año 1928 en la famosa Sala Blava de Valencia.

Premios y distinciones

Al año siguiente, en 1929, expuso en la Sala Parés de Barcelona y 3 años después, en 1932, ganó la Tercera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid con el retrato de Max Aub.

Gracias a eso se le concedió una beca con la que pudo realizar varios viajes por países europeos y ampliar sus puntos de mira.

A su vuelta siguió acumulando premios en distintas exposiciones nacionales que le permitieron la concesión de diversas distinciones entre las que destacan la Medalla de Oro de la Academia de las Artes, las Ciencias y las Letras de París o la Medalla al Mérito de las Bellas Artes del Ministerio de Educación y Ciencia de España.

Fue académico en instituciones como San Jorge de Barcelona, San Fernando en Madrid, Santa Isabel de Hungría en Sevilla y en su casa, la Real Academia de San Carlos de Valencia.

Pieza clave de la pintura valenciana durante el siglo pasado, Genaro Lahuerta tiene obras expuestas en los Museos de Bellas Artes de Sevilla, Bilbao, Asturias, el Museo Reina Sofía de Madrid o en el Ayuntamiento de Valencia.

A su muerte en 1985, Valencia le concedió el honor de nombrar una de sus calles.

La subasta que os ofrecemos en subasta está formada por una carpeta con 12 dibujos firmados, un libro sobre Genaro Lahuerta y la documentación correspondiente y acreditativa ante notario de la autenticidad del conjunto.

Amor al arte: Rafael Boluda Vidal

Hoy os queremos recordar a uno de nuestros artistas valencianos más icónicos, Rafael Boluda Vidal.

Tellinera de Rafael Boluda Vidal

Tellinera de Rafael Boluda Vidal

Biografía y obra

El artista jubilado Rafael Boluda Vidal nació en abril de 1941 y con 75 años sigue activo en el mundo del arte ya que, como para cualquier artista, su trabajo es su vida y su constante. Y es que de casta le viene al galgo, ya que su padre fue uno de esos artistas artesanos, dotados para el dibujo y que trabajó como imaginero la mayor parte de su vida.

Nació en Valencia y estudió allí en diversas academias de arte.

Sus inicios comenzaron como dibujante en la Editorial Valenciana sobre el año 1954 con la serie “Comandos”. Continuó con la colección “Olimán” para la editorial Maga y luego con “Johnny Fogata”. A partir de 1965 compaginó su trabajo, aquí en España, con la empresa Bardon.

A lo largo de toda su carrera artística ha sabido compaginar a la perfección su faceta de pintor acuarelista con la dibujante de historias gráficas, trabajo que ha sido publicado en numerosas revistas tanto nacionales como internacionales.

Tiene su propio museo en Llaneras de Ranes (Valencia) dedicado a la acuarela, su gran pasión y a la que está completamente dedicado desde hace más de 25 años. Tiene varias obras expuestas en el Museo Histórico Militar de Valencia y en el Museo de Arte Moderno del Vaticano en Roma. Además, a lo largo de su carrera, ha realizado exposiciones tanto en España como fuera de nuestras fronteras. También ha estado presente en dos ediciones de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Interarte) de Valencia.

Aquí os dejamos una exposición que se realizó en Requena en el año 2014.

 

En Subastas Darley le hemos querido dar un homenaje subastando varias de sus acuarelas a precios increíbles.

Búscalas en nuestra sección de Pintura del Siglo XIX-XX. ¡No te las pierdas!

Salvador Rodríguez Bronchú

Biografía

Salvador Rodríguez Bronchú nació el 28 de noviembre de 1913 en la valenciana localidad de Godella.

Su padre, el pintor y escenógrafo Francisco Rodríguez Cabanes, fue su maestro en el taller que este último tenía hasta que Juan Belda entró en su formación.

Aunque durante muchos años fue pintor mural y restaurador de iglesias, lo cierto es que siempre ha sido conocido por “el pintor de los grises” aunque en su dilatada carrera realizó cambios de estilo.

Pintor de grises

Pintor autodidacta, consiguió pasar de pintar paredes a ser un pintor reconocido dentro de la Escuela de Godella.

Según palabras de su hijo Enrique: “La vida de un pintor no es fácil, sacrificas muchas cosas, la estabilidad familiar, unos ingresos más o menos fijos…”.

Huyendo de las comparaciones artísticas, Bronchú trabajó hábilmente la espátula en sus obras y, aunque su color siempre fue el gris, trabajó con la misma alma obras más coloristas y matéricas.

Su inspiración fue su amada Valencia, de la que no se separó, aunque ocasiones tuvo. La necesitaba para respirar, para vivir y para pintar. De hecho, sus obras salen de esa alma que no necesitó una técnica concreta para crearlas.

Al principio de su carrera, sus obras se centraban más en rincones de ciudades emblemáticas como Paris, pero a lo largo de la misma, y sobre todo, al final de su carrera, se decantó más por temas costumbristas de su Valencia, gracias, sobre todo, a la petición de obras que le hacían particulares.

A lo largo de su carrera recibió numerosos premios pictóricos, entre ellos, dos medallas Nacionales de Bellas Artes, la última en 1957.

Sus Obras

Aunque la mayoría de sus obras están en manos de particulares que las han adquirido a través de subastas, podemos ver alguna de ellas en museos como: Museo de la Coruña, Museo Provincial de Valencia, Museo de Ávila, la Pinacoteca Municipal de Valencia o el Ateneo Mercantil de Valencia, entre otros.

Como la obra que subastamos en nuestra web: “Plaza de Toros”, una buena muestra de su vertiente más colorista y matérica en la que destaca el magnífico y hábil uso de la espátula.

 

Plaza de toros

Plaza de toros

Su defunción se produjo el 27 de noviembre del año 1999.

Según palabras de los expertos, la obra de Bronchú consigue adentrarse en el alma de las personas que la contemplan porque tiene la virtud de hacernos soñar.

Rafael, el pintor de Urbino

Rafael, cuyo nombre real era Raffaello Sanzio, nació en la localidad de Urbino el 06 de abril del año 1486, un viernes santo.

Era hijo de Giovanni Santi, pintor y humanista italiano que lo dejó huérfano a la edad de 11 años, tras la muerte también de su madre. Pasó entonces a estar bajo la tutela de su tío Bartolomeo. Tras ello y para ganarse la vida, trabajó como aprendiz en varios talleres de arte junto a Perugino y, durante su estancia en Florencia, aprendió y tomó ejemplo de Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci.

Durante sus primeros años tuvo una vida nómada en la que se movió por varios lugares de Italia y en la que adquirió influencia de muchos de los artistas de la época, pintando por aquel entonces obras como Las Tres Gracias, La Bella Jardinera o El Sueño del Caballero.

Considerado como niño prodigio, a los 25 años tuvo su primer encargo oficial, pintar las Estancias Vaticanas, entre el que se encuentra el fresco La Escuela de Atenas, entre otras. Encargo de Julio II, Rafael pintó algunos de los frescos más famosos de la historia del arte. Obras como La Escuela de Atenas, El Párnaso o La Liberación de San Pedro decoran las estancias privadas del Vaticano haciendo de ellas algo único.

Monta su propio taller de pintura en el que tuvo a más de cincuenta pupilos y ayudantes, considerado uno de los mayores talleres bajo un único maestro. Incluso después de su muerte, la actividad siguió. Alguno de sus discípulos conocidos fue Giulio Romano. Polidoro da Caravaggio o Giovanni da Udine.

Vivía en el Borgo con bastante lujo, en un palacete que había diseñado Bramante. Soltero, sólo se le conocieron algunas relaciones sentimentales cortas, la más famosa, la que mantuvo con Margherita Luti, hija de un panadero de origen sienés.

Su prematura muerte a la edad de 37 años, fue también un viernes santo y debida a unas fiebres de las que los médicos no supieron la causa. Eso sí, le dio tiempo para dejar todos sus asuntos arreglados, entre ellos el de ser enterrado en el Panteón de Roma en un sarcófago de mármol con la siguiente frase de Pietro Bembo tallada: “Aquí yace Rafael, por el que en vida temió ser vencida la naturaleza, y al morir él, temió morir por ella”.

La calidad monumental de sus figuras, con perfecto equilibrio entre el hombre y la naturaleza, su riqueza inventiva, influido por la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, detallados y con un alto nivel de acabado le han hecho estar en uno de los lugares más destacados de la Historia del Arte Universal.

Las técnicas que utilizó para la mayoría de sus obras pasan de lápiz, punta de plomo, acuarela, esfumados, pluma, etc. Sus obras están consideradas como  las obras supremas del Renacimiento junto con las de Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel  y proporcionan una visión extremadamente idealizada de los sujetos representados, y las composiciones.

 

Fray Bartolomeo

Fray Bartolomeo nació el 28 de marzo de 1472. Su nombre real era Baccio della Porta hasta que ingresó en la Orden de los Dominicos en el año 1500.

Considerado uno de los grandes artistas del Renacimiento, nació en la localidad de Savignano di Prato, muy cerca de Florencia. Gracias al apadrinamiento de Benedetto da Maiano entró en el taller de Cosimo Rosselli como aprendiz hasta que conoció la obra de Leonardo Da Vinci y decidió dejarlo para colaborar con Mariotto Albertinelli.

Durante esa época pintó su famoso retrato de Fray Girolamo Savonarola que hoy en día se encuentra en el Museo Nacional de San Marco en Florencia y el fresco del Juicio universal que realizó por encargo para el Hospital de Santa María Nuova.

El 26 de julio del año 1500 se convierte en fraile dominicano cambiando su nombre por Fray Bartolomeo y abandonando la pintura durante unos años hasta que le pidieron que se hiciera cargo del taller del monasterio de San Marco. Durante esa etapa realizó la obra de La Visión de San Marco. Conoció a Rafael en una de sus visitas a Florencia teniendo la oportunidad de aprender de él la utilización de la perspectiva. Su amistad llegó al punto de que Rafael terminó dos obras del monje.

Después pintó Dios Padre, Santa María Magdalena y Santa Catherine de Siena, el retablo de Madonna y el niño con los santos y el retablo de la Sala del Consiglio de Florencia durante una estancia que estuvo en Venecia.

En 1513, Fray Bartolomeo, viajó a Roma para pintar Pedro y Pablo, San Marcos Evangelista y el Banquete de Venus (encargo del duque Alfonso I de Este de Ferrara), entre otras.

Al término, regresó a Florencia, donde falleció en el año 1517.

La calidad de las obras de Fray Bartolomeo es indiscutible consiguiendo darle a las mismas la luz y sombra, el color y el trazo justo para sus admirables figuras que recreaban la anatomía humana a la perfección, siendo de los primeros artistas que utilizó maniquíes articulados para intentar recrear, de la manera más fehaciente posible, los movimientos y articulaciones humanas.

Josep Guinovart

Josep Guinovart fue un pintor catalán que comenzó como pintor de brocha gorda y supo hacerse un lugar entre los más grandes artistas de su época.

Nació el 20 de marzo de 1927 en Barcelona, hijo de un gran aficionado a la música que le inculcó y le animó a explotar su lado artístico a todos los niveles.

Durante la Guerra Civil española se trasladaron a Ballcaire, Agramunt y a una pequeña cabaña lejos de todo núcleo urbana donde se enamoró de la naturaleza teniendo un contacto directo con ella.

Una vez acabada la guerra se trasladaron a vivir a Barcelona y es cuando empieza a trabajar de pintor de brocha gorda yendo a aprender el oficio a la Escuela de Maestros Pintores. Mientras tanto empieza a pintar sus pequeñas obras al óleo. Estudió también en la Escuela de Artes y Oficios de la Lonja de Barcelona consiguiendo una beca para realizar dibujos al natural.

Tras realizar su primera exposición se da cuenta de que su vocación es la pintura, a lo que empieza a dedicarse más seriamente. Tras ello se empezó a relacionar con artistas del Dau al Set como el pintor Joan Ponc o el poeta Joan Brossa quienes influenciaron artísticamente a Josep Guinovart.

Tras ello decide abandonar definitivamente la pintura de paredes para dedicarse exclusivamente a su arte consiguiendo además una beca del Instituto francés que le permitiría estudiar en París durante 9 meses. Los más determinantes de su vida artística.

A partir de ahí su vida y su trabajo se centran en la investigación de materiales para sus obras y en la experimentación con todo tipo de temáticas, elementos y elaboraciones. Realiza varias decoraciones de escenografías teatrales, esculturas y cuadros llenos de mensajes políticos y sociales. Fundó el grupo artístico llamado Taull junto a otros artistas del momento como Tápies, Cuixart o Tharrats.

En 1972 se traslada durante una temporada a Cuba y México, descubriendo unas culturas que le fascinaron y le abrieron los sentidos rompiéndole los esquemas que tenía sobre el hombre occidental.

Cuando regresó a España se dedicó también al trabajo de grabador, realizando varias ediciones de litografías para una editorial barcelonesa.

En el año 1994 inauguraron un museo dedicado íntegramente a su obra en la localidad de nacimiento de su madre en Agramunt. En 2006 diseñó una bodega catalana y un año después, en 2007 sufrió un infarto que no pudo superar falleciendo unos días después. Tenía 80 años y una grandísima obra detrás.

A día de hoy se le considera un personaje imprescindible del arte catalán que supo expandir su capacidad artística a varios niveles. Tras su muerte se creó la Fundación Josep Guinovart quien sigue difundiendo su obra.

Georges de La Tour

A Georges de La Tour se le puede considerar el pintor renacido, ya que durante más de tres siglos su obra, vida y arte se perdió en el olvido sin saber muy bien por qué.

Poco se sabe sobre él, más que nació en Vic-sur-Seille, dentro del ducado de Lorena, Francia el 13 de marzo de 1593. Parece ser que fue el segundo de los siete hijos que tuvieron el tahonero Jean de La Tour y la panadera Sibylle Mélian.

No se sabe muy bien pero parece que viajó a Italia y a los Países Bajos en alguna ocasión, ya que así lo demuestran sus influencias artísticas.

Casó en el año 1617 con la hija de un tesorero del duque de Lorena llamada Diane Le Nerf, con quien tuvo diez hijos, de los cuales sólo sobrevivieron tres de ellos, Étienne, Claude y Chrétienne.

Tras instalarse en la capital de Lorena, Lunéville, abrió un estudio en el acogió a numerosos aprendices, entre ellos a su hijo Étienne. Durante esa próspera época, abundó el trabajo y tuvo varios encargos del duque Enrique II, del gobernador francés Henri de la Ferté-Senneterre y además tuvo pensión real.

En 1630 todo se vino a pique con las penurias que empezó a vivir la región de Lorena entre las que destacaron la peste, la Guerra de los Treinta Años, tumultos, incendios, etc. Por ello, Georges de La Tour se fue a París para ser el pintor real de Luis XIII.

En 1652, tanto su mujer como él murieron de peste.

A lo largo de su vida tuvo una exitosa carrera exponiendo sus obras en toda la corte de Lorena, en las paredes de los palacios de Luis XIII e incluso tuvo varios de ellos en la colección privada del Cardenal Richelieu.

Su estilo es muy determinado y está supeditado al uso de una solo fuente de luz, llevando el tenebrismo a su obra.

Se puede decir que tuvo dos épocas diferenciadas en las que su estilo era muy personal. En la primera época hablamos de cuadros diurnos y equilibrados y en la segunda destacan los nocturnos más rigurosos.

La iluminación de sus obras proviene de una vela y son monocromáticas. Sólo utiliza el rojo y el negro para sus obras nocturnas y el blanco y el morado para las diurnas.

La temática que utiliza para sus obras también varía. Aunque siempre en el mismo estilo, pintó escenas religiosas, devotas, de género. Pero su mayor característica es que pintaba mujeres con los rasgos contenidos, serias, dedicadas, piadosas. Y nunca tocó el tema religioso de la Pasión, ya que más bien se centraba en escenas de santos que curaban la peste o natividades. Tampoco pintó nunca retratos.

A día de hoy, parece ser que se le han adjudicado 70 obras, de las cuales 31 están ahora mismo en el Museo del Prado en una exposición dedicada exclusivamente a dar a conocer a uno de los grandes artistas franceses del tenebrismo.

 

Piet Mondrian

Pieter Cornelis Mondriaan nació el 07 de marzo del año 1872 en la localidad de Amersfoort, Holanda, siendo el segundo hijo de los cinco que tuvieron el maestro calvinista Pieter Cornelis Mondriaan y su esposa Johanna Christian Kok.

Comenzó sus estudios en la Academia Estatal de Arte de Ámsterdam donde tuvo como maestro a August Allebé y donde, principalmente, pintó paisajes en lo que se denomina su período naturalista. Pero tras conocer la obra cubista de Picasso y Braque, se trasladó a París en el año 1912 donde aprendió los principios cubistas aunque enseguida se fue hacia la abstracción.

 

Regresó a los Países Bajos en la I Guerra Mundial y conoció a Theo Van Doesburg con quien fundó la revista De Stjil, de estilo neoplasticismo, como lo llamaba el propio Piet Mondrian.

Tras vivir varios años entre París y Londres, en el año 1940, Mondrian se trasladó a Nueva York donde murió cuatro años después debido una pulmonía.

Su dedicación a la abstracción geométrica  le hizo buscar la estructura básica del universo a través de los colores y los planos geométricos, eliminando las curvas y las características sensoriales.

De hecho, es principalmente conocido por sus composiciones rectangulares en amarillo, rojo, negro y azul que están separadas por gruesas líneas negras buscando el arte puro.

Su obra puede verse en el Museo Municipal de La Haya donde se puede ver toda la evolución de Piet Mondrian hasta su última obra inacabada La Victoria Boogie Woogie.

 

Adolf Wölfli

La enfermedad mental no es enemiga del arte tal y como lo demuestra el prolífico dibujante Adolf Wölfli, máximo exponente del Art Brut o Arte Marginal.

Biografía

Nacido en Berna el 29 de febrero de 1864, tuvo una infancia turbulenta que le produjo unos grandes problemas mentales. Hijo de un padre alcohólico y una lavandera de moral distraída, a los ocho años de edad el estado los separa a él y a su hermano de su madre y comienza su infierno.

Fue víctima de abusos sexuales, estuvo años de orfanato en orfanato, trabajó como peón agrícola, donde fue maltratado en varias ocasiones por sus patrones, e incluso estuvo algún tiempo en el ejército.

Quiso casarse con la hija de un granjero pero su mala posición económica se lo impidió, lo que le marcó de por vida. Tras otras dos relaciones amorosas fallidas, intentó abusar sexualmente de una adolescente de catorce años y de una niña de tan sólo cinco. Pasó por la cárcel unos años y a su salida intentó violar a una niña de tres años lo que provocó su estudio psicológico y la conclusión de sus psicosis.

Por ello fue recluido en el hospital psiquiátrico Waldau, en Berna, en el que pasó el resto de su vida.

Durante un tiempo estuvo en régimen de aislamiento debido a una agresividad incontrolable. En una ocasión le arrancó un trozo de oreja de un mordisco a un interno, rompía su cama y ventana para escapar del hospital, pegaba a todo el personal…Pero un día, alguien, probablemente uno de los doctores que le trataban, le dio un lápiz y comenzó su obsesiva tarea de dibujar. A partir de entonces sólo se dedicaba a rellenar papeles y más papeles con obras imposibles.

Su Obra

Tras años de pintura, el doctor Walter Morgenthaler, se interesó por su obra y le ayudó a darse a conocer fuera de la clínica considerándosele un iconoclasta del art brut. Se trataba de una obra compleja, muy intensa y con imágenes intrincadas que tenían una dimensión musical muy fuerte. De hecho, él las interpretaba con una trompeta de papel.

Él mismo, Adolf Wölfli, escribió un libro sobre su vida de unas 25.000 páginas y más de 1.600 volúmenes que la muerte del artista dejó inconcluso. El doctor Walter Morgenthaler, su máximo seguidor y quien le regalaba las pinturas para colorear, se convirtió en su primer coleccionista e impulsó la creación de un museo en Berna en el que exponer sus obras.

Adolf Wölfli murió de cáncer en el hospital en el que pasó toda su vida en el año 1930 con una obra que abarca más de 25.000 papeles, diseños y dibujos.