Mariano Fortuny y Marsal

Mariano Fortuny

Mariano José María Bernardo Fortuny y Marsal, nacido en el seno de una familia de tradición artesanal el 11 de junio de 1838 en Reus, ha sido uno de los pintores españoles más importantes del siglo XIX.

Infancia y Formación

Huérfano desde los 14 años, su abuelo se hizo cargo de él dándole la educación artística a la que estaba predispuesto.

Durante esos primeros años estudió con Doménec Soberano, pintor de Reus y trabajó con el platero y orfebre miniaturista reusense Antoni Bassa. Después se traslada a Barcelona donde consigue entrar en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja, siendo alumno de Pablo Milà y Fontanals, Luis Rigalt y Claudio Lorenzale.

Años después se trasladó a Roma con una pensión de la Diputación de Barcelona. Allí conocería a varios artistas tanto italianos con españoles y entablaría amistad con Eduardo Rosales y Dióscoro Puebla.

Con motivo de la Guerra de Marruecos de 1860, Mariano Fortuny viajó hasta allí a instancias de la Diputación de Barcelona para realizar la crónica gráfica de la contienda, lugar del que se enamoró y le hizo interesarse por otros aspectos. De esa época en La Batalla de Tetuán.

Madurez artística

Una vez de vuelta conoce al que será su futuro suegro, Federico Madrazo, director del Museo del Prado, y se le ofrece la posibilidad de viajar por Europa para ampliar sus conocimientos a través de los museos más importantes.

A la vuelta se casó con Cecilia de Madrazo y con motivo del evento pintó La Vicaría, su obra más famosa. Después de trasladan a Granada, donde pintó varias de sus obras y a donde atrajo a sus más allegados amigos: Martín Rico, Eduardo Zamacois o Jules Worms.

Estuvo viajando por París, Londres y Nápoles, donde alquila una casa en Portici. Allí pintó obras como Desnudo en la playa de Portici o Los hijos del pintor en el salón japonés. Durante su instancia en Italia se le detecta una úlcera de estómago que se complica bastante y le causa la muerte el 21 de noviembre de 1874.

Legado

Sólo un año después de su fallecimiento, las obras que se encontraban en su estudio así como su colección privada, fueron subastadas en el Hotel Drouot en París. Los precios que se alcanzaron fueron desorbitados.

Su muerte a los 36 años truncó un virtuosismo que le marcó como un auténtico genio y le privó de revolucionar la pintura española. Su hijo, Mariano Fortuny y Madrazo siguió sus pasos artísticos y fue un notable pintor, escenógrafo y diseñador español.

Murillo

Biografía

Su nombre completo era Bartolomé Esteban Murillo nacido en Sevilla en 1617 y fallecido en 1682. Fue el último de los catorce hijos que tuvieron el barbero Gaspar Esteban y María Pérez Murillo.

Se quedó huérfano a los 9 años y una de sus hermanas, Ana, se hizo cargo de él. Aunque poco se sabe de su infancia, parece ser que se formó en el taller de Juan del Castillo, pariente de su madre y pintor discreto que influenció en las primeras obras de Murillo.

Fue miembro de la Hermandad de la Caridad, la Cofradía del Rosario y la Orden Tercera de San Francisco.

Se casó con Beatriz Cabrera en 1645 y tuvieron nueve hijos, de los cuales sólo cinco sobrevivieron hasta la edad adulta.

Fue uno de los grandes pintores españoles del Barroco que basó su obra en la temática religiosa dándola una sensibilidad que se anticipaba al Rococó.

El Pintor

Su primera obra importante fue después de su boda y consistió en la elaboración de los once lienzos del claustro del convento de San Francisco de Sevilla en los que invirtió tres años y cuya temática se centró en historias de la orden franciscana, haciendo hincapié en la oración y la vida contemplativa, la alegría franciscana o el amor al prójimo.

Fue uno de los trabajos de mayor envergadura que realizó a lo largo de su vida ya que luego se centró en imágenes de gran devoción, encargos, sobre todo, de eclesiásticos. Además, su estilo va cambiando de la oscuridad zurbaranesca a un claroscuro con mayor movilidad. De esta época son obras como la Sagrada Familia del pajarito o la Huida a Egipto.

Murillo fundó una academia de dibujo en Sevilla para que sus alumnos pudieran perfeccionarse en dibujo anatómico con modelos vivos. Durante esa época pintó alguna de sus obras más significativas como el Nacimiento de la Virgen que está pintado en la sobrepuerta de la Capilla de la Concepción Grande de la catedral sevillana.

Llegó después una mala época para el arte ya que la hambruna y un terremoto diezmaron los recursos de la Iglesia. De todas formas, Murillo nunca se quedó sin trabajo ya que sus amigos extranjeros y algunos amigos de las altas esferas de la Iglesia le seguían haciendo encargos como Las bodas de Caná.

Su muerte acaeció en el trabajo. Estaba realizando un encargo en un convento gaditano, en concreto los Desposorios de Santa Catalina, cuando se cayó del andamio, lo que le produjo la hernia que acabó con su vida y su arte. Murió el 3 de abril de 1682.

Su pintura sosegada y amable fue inspiración de muchos artistas barrocos del siglo XVII, sobre todo en la pintura sevillana. Muchos fueron sus discípulos, entre los que destaca Francisco Meneses Osorio, quien completó alguno de sus trabajos inacabados.

Sus obras son un reflejo de su personalidad inteligente, serena, amable y con unos grandes ideales religiosos que supo plasmar a la perfección en sus cuadros, repartidos por todo el mundo y por los museos más importantes como el Museo del Louvre, Museo del Prado, Museo de Bellas Artes de Sevilla, etc.

Picasso

Dentro de unos días, el 25 de octubre, se cumplen 134 años del nacimiento de uno de los genios de la pintura mundial, Pablo Ruíz Picasso.

91 años prolíficos en los que Picasso se convirtió en el pintor del cubismo por excelencia. Más de 2.000 obras entre dibujos, esculturas, cerámicas, grabados, ilustraciones y montajes teatrales avalan su labor prolífica y su gran interés por aprender y crear.

Nació en el número 15 de la Plaza de la Merced de Málaga.

Su nombre completo es Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo).

Fue el primer hijo de una familia burguesa compuesta por José Ruíz y Blasco, profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo, y María Picasso López y tuvo 2 hermanas, Dolores y Concepción.

Sus dotes artísticas no tardaron en salir a la luz y con tan sólo 8 años y a ayuda de su padre pintó El picador amarillo, obra de la que nunca se separaría.

Un par de años después, la familia tuvo que trasladarse a La Coruña por temas laborales, lo que no gustó mucho a Picasso quien decía que “Ni Málaga, ni toros, ni amigos, ni nada de nada” pero allí fue donde realizó su primera exposición con tan sólo 13 años.

En 1895 falleció su hermana Concepción y se volvieron a trasladar por motivos de trabajo, en esta ocasión a Barcelona, donde Picasso ingresó en la Escuela de la Lonja a los 14 años. Picasso decía de sí mismo: “A diferencia de la música, no hay niños prodigios en la pintura. Lo que la gente percibe como genio prematuro es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, por lo que a mí respecta, yo no era un genio. Mis primeros dibujos nunca se han mostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, con una precisión de la que me asusto.”

En Barcelona pasó varios años de su vida con algunas escapadas a Málaga antes de trasladarse a Madrid a estudiar en la Academia de San Fernando donde además aprovechó para hacer varias visitas al Museo del Prado para estudiar las obras del Greco.

En 1899 regresó a Barcelona donde hizo amistad con la bohemia modernista de la zona y donde entró en contacto con el pensamiento anarquista que se estaba implantando en Barcelona. Un año después iría a París a ver la Exposición Universal donde se empapó de los grandes artistas impresionistas como Toulouse-Lautrec y conoció al que sería su marchante de obras, Pere Mañach. En esa época y a raíz del suicidio de su amigo Carlos Casagemas, comienza con lo que se ha denominado su etapa azul, dominada por azules y negros y con temática pesimista.

En 1904 se traslada definitivamente a vivir a París donde formó parte de un círculo de artistas de Montmartre y Montparnasse (André Bretón, Guillaume Apollinaire o Gertrude Stein). Aquello parece que le cambió su concepción de ver la vida porque fue entonces cuando dio paso a su etapa rosa a la que pertenece Las señoritas de Avignon y a sus primeros cuadros cubistas.

Allí conoció al primer amor de su vida Fernande Olivier, la cual fue su fuente de inspiración hasta su ruptura en 1912.

En su estancia en Roma en 1917 se enamoró de la que sería su esposa la bailarina rusa Olga Khokhlova con quien volvió una temporada a España y explotó su etapa o periodo duquesa.

El 4 de febrero de 1921 nació su primer hijo, Pablo y se trasladó a Fontainebleau donde tuvo una época muy prolífica con cuadros como Madre e hijo en la orilla del mar o Músicos con máscaras.

Fue esa una época muy feliz en su vida en la que disfrutaba de su mujer e hijo y en la que la crítica alababa sus obras. Quizás eso le animó a unirse a una nueva corriente artística, el surrealismo.

Durante su matrimonio con Olga, conoció a Marie-Thérèse, quien sería su principal inspiración para las sensuales y sugestivas figuras femeninas de sus obras a partir de entonces. Con ella tuvo a su hija Maya.

A partir de 1931 comenzó su incursión en la escultura con obras como Monumento a Apollinaire, Busto de un hombre barbado o Busto de mujer. Y al comienzo de la Guerra Civil Española, fue nombrado director de Museo del Prado.

En el año 1937 se le pidió que colaborara en la creación de un mural para la Exposición Internacional de Paris y él se inspiró en el brutal bombardeo de la localidad de Guernica, lo que originó una de sus mejores obras: Guernica.

Durante ese tiempo tuvo relaciones con la fotógrafa y artista Dora Maar hasta que Picasso se cansó de su carácter y se fue a vivir con Françoise con quien tuvo a Claude y a Paloma. Aunque la felicidad no duró mucho y ya al final de su vida se casó con Jacqueline.

En 1973 murió debido a un edema pulmonar, en su casa de Mougins (Francia).

Su obra ha sido una de las más importantes, ahondando en diferentes temáticas y tocando varias corrientes artísticas. Pero su obra es única e irrepetible.

Historia del Bodegón

Bodegón

El Bodegón o Naturaleza muerta, como también es conocido, en un género pictórico que representa animales, flores y objetos, realizados o no por el hombre que se encuentra determinado en un especio en concreto. Y que transmite sensaciones gracias al uso del cromatismo y la iluminación que se le aplique.

Orígenes

Sus orígenes se remontan a la época de esplendor de los egipcios y ya adornaban hace siglos las tumbas de los faraones, ya que estos creían que los objetos que llevaran al más allá les servirían en la muerte tanto como en la vida.

Los griegos y los romanos también gustaban de representar bodegones como manera de transmitir la vida cotidiana y, gracias a ellos, conocemos de primera mano la variedad de comida que disfrutaban las clases superiores y el estilo de vida que les gustaba. Famoso era Peiraikos, de quien Plinio el Viejo dijo estas palabras: “cuya maestría muy pocos sobrepasan… Pintó tenderetes de zapateros y barberías, asnos, plantas y cosas semejantes, y por esa razón le llamaron el «pintor de los objetos vulgares»; aun así estas obras eran en conjunto deliciosas, y se vendían a precios más altos que las más grandes de muchos otros artistas”.

Edad Media

Olvidado por muchos años, el Bodegón volvió a aparecer en la Edad Media como acompañamiento de las figuras en las obras de temática religiosa y gracias a Jan Van Eyck y a su desarrollo de la pintura al óleo, el Bodegón comenzó a ganar protagonismo en Europa.

Renacimiento

El Renacimiento trajo consigo la liberación de la temática religiosa y se dio un paso más allá en los bodegones dándole un mayor protagonismo. Leonardo Da Vinci y Alberto Durero fueron los precursores de los bodegones de la época interesados, sobre todo, en el estudio de la naturaleza que se vio más extendido con los descubrimientos que se realizaban en el Nuevo Mundo. Uno de los bodegones trampantojo de la época fue “Bodegón con perdiz, guanteletes y flechas de ballesta” de Jacobo de Barbari.

Siglo XVII

El siglo XVII trajo consigo muchas obras importantes de bodegones. De hecho, Caravaggio fue el primer gran pintor de naturalezas muertas, siendo la obra de mayor repercusión “Cesto con frutas”, primer claro ejemplo de bodegón puro. En los Países Bajos fue un género muy utilizado, ya que los artistas estaban limitados en cuanto a temática y esto estaba al alcance de cualquier pintor que se preciara. De hecho, en los Países Bajos se independizó con el nombre de “stilleven” o naturaleza tranquila.

En España su representación fue casi nula ya que no se le daba la importancia que tenían y aunque hay muchos bodegones de esa época no se conocieron ni apreciaron hasta bien entrado el siglo XX. Cabe destacar los que realizó Zurbarán.

Siglo XVIII

El amor por el Rococó en la Europa del siglo XVIII fue una época de esplendor para los bodegones en el que la aristocracia vio en ellos un símbolo del buen gusto dentro de la extravagancia.

En EEUU también comenzó a despuntar de la mano de Charles Willson Peale y su prominente familia de pintores.

Siglos XIX y XX

En el siglo XIX el género del Bodegón decayó en favor de otras temáticas hasta que el Neoclasicismo cayó y la pintura de género y los retratos volvieron a la palestra acompañados del Bodegón con artistas como Goya, Delacroix o Manet.

Luego los impresionistas hicieron acto de presencia llenando de color los bodegones y, aunque inspirándose en la naturaleza, reinventando completamente la concepción de la misma. Pintores importantes de aquella época fueron Monet o Van Gogh.

Desde entonces, el bodegón ha tomado diversas formas y se ha hecho algo muy habitual entre todos los artistas que gustan de experimentar con la denominada naturaleza muerta.

Gauguin con su “Bodegón con girasoles”, Matisse con “Bodegón con berenjenas”, Cézanne, Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque o Andy Warhol son algunos de ellos.

Claro ejemplo, también son las obras del siglo XIX que Subastas Darley tiene entre sus joyas artísticas al alcance de todo el mundo. Estas son algunas de ellas:

Pilar Camallonga "Bodegon frutas Rojas

Pilar Camallonga “Bodegon frutas Rojas

Melchor Aracil Gallego "Bodegon

Melchor Aracil Gallego “Bodegon

Payá Bayarri "Bodegón

Payá Bayarri “Bodegón

9 artistas chinos

El arte chino es uno de los más antiguos de todos y hoy queremos acercároslo un poco más hablándoos de 9 artistas chinos que marcaron un antes y un después en su historia.

Shitao.

Su nombre artístico completo es Yuanji Shih T’ao aunque realmente se llamaba Ruoji Zhu. Fue un pintor y calígrafo chino nacido en 1642 en Quanzhou. Familia del fundador de la Dinastía Ming creció en el anonimato exiliado al tomar el poder la Dinastía Qing. Es uno de los artistas más importantes de China cuyo principio básico era el trazado único de pincel, lo que rompió con el estilo tradicional de su época.

Shen Zhou.

Fue el fundador de la escuela Wu. Nació en 1427 en Wuxian durante el mandato de la Dinastía Ming. Su estilo es de libre composición con gran calidad poética y escenas realmente realistas. Él y su escuela fueron los artistas más importantes del siglo XV.

Wu Daozi.

Pintor que cultivó su arte durante la Dinastía Tang, Wu Daozi está envuelto en el mito de que pintó el mural de “La Creación” para el emperador Xuanzong, hoy en día perdido. Parece ser que estaba expuesto en uno de los palacios del emperador y que contenía escenas de una montaña situada en un valle que estaba rodeado de vegetación y animales. En esa montaña existía una cueva que cuando el pintor dio una palmada con sus manos frente al emperador, la puerta se cerró dejando dentro de la cueva a Wu Daozi.

Guo Xi.

Nacido en la provincia de Henan en el año 1020, fue uno de los máximos precursores de la pintura de Song septentrional bajo el mecenazgo del emperador Huizong. Por aquella época, la pintura estaba a la altura de la poesía, por lo que a los pintores se les consideraba artistas eruditos con un gran estatus cultural. Su temática estaba basada prácticamente en el paisajismo.

Fue también profesor de la Academia Imperial de Pintura, publicó el libro Las instrucciones de un padre, sobre el paisajismo y su obra destacó por la innovadora técnica de las múltiples perspectivas.

Mi-Fei.

Comúnmente conocido por Mi Fu, nació en Taiyuan en el año 1051 durante el reinado de la Dinastía Song. Fue pintor, funcionario público y poeta. Su estilo incluía la utilización de manchas de tinta aplicadas con un pincel chato que se dio en llamar “estilo Mi Fu”.

Fue pintor de cámara, secretario de la junta de ritos y tuvo diversos cargos oficiales en distintas provincias chinas.

Especialmente, pintaba paisajes y figuras de animales y hombres. Escribió varias obras literarias, entre ellas un “Tratado de dibujo”.

Huang Gongwang.

Nació en Jiangsu en 1269, sacerdote taoísta, el más anciano de los denominados “cuatro maestros de la Dinastía Yun”. Fue uno de los grandes pintores de su época saliéndose de los convencionalismos y de la temática de moda, el paisajismo. Pintaba unos cuadros con el color púrpura y otros con la tinta china negra.

Yun Shouping.

La mayoría de la gente lo conoce con el nombre de Nantian. Fue un pintor chino nacido en Wujin en 1633 considerado uno de los seis grandes maestros de la pintura en la Dinastía Qing.

Desde muy joven y debido a las dificultades económicas de su familia se dedicó de lleno al arte pintando paisajes. Su estilo era muy expresivo y vibrante intentando plasmar el espíritu de lo que pintaba. Utilizaba colores fuertes como púrpuras y rojos e intentaba imitar el estilo de los maestros de la Dinastía Yun a los que tanto admiraba.

Fundó la Escuela de pintura Ch’ang-chou y además fue un gran calígrafo.

Wang Meng.

Nació y creció dentro del seno de la Dinastía Yuan y fue considerado uno de los cuatro grandes maestros de su época. Nació en Huzhou en el año 1308 y su nombre artístico era Xiangguang Jushi.

Su temática fue el paisajismo con pinceladas de textura densa mezclando los detalles del paisaje con el dramatismo. Le daba mucha importancia a la caligrafía sobre papel aunque, desgraciadamente, esas obras son prácticamente desconocidas.

Wang Ximeng.

No sabemos ni su fecha de nacimiento ni de defunción pero sí sabemos que la obra “Mil Li de ríos y montañas” fue pintada por él cuando tenía 18 años en 1113 y que no muchos años después falleció.

Fue estudiante en la Academia de Arte que había fundado el emperador Huizong. Su estilo era elegante y gustaba de decorarlos en demasía.

Desgraciadamente, durante muchos siglos su nombre quedó en el olvido aunque se comenzó a recuperar en el siglo XX.

 

 

Cristal de Bohemia

Historia

El origen del Cristal de Bohemia viene de la antigua Bohemia en la República Checa sobre el año 1.200 d. C. gracias a la riqueza de cuarzo y potasio que se da en la zona y que es indispensable para la producción del cristal.

Los primeros fabricantes fueron los monasterios de Praga que utilizaban la técnica de soplado con una caña ya que era fácil de moldear. Las piezas resultantes eran utilizadas para la decoración de iglesias como la que se realizó en los mosaicos de la Catedral de San Vito.

En el Renacimiento se convirtió en la decoración de castillos favorita de los Habsburgo y es que por esa época los maestros cristaleros utilizaban puntas de diamantes para darles forma a las creaciones y comenzaron a utilizar elementos químicos que les permitían cambiar los colores a los cristales.

En época de Rodolfo II de Habsburgo, sobre el siglo XVII, se ideó una nueva técnica denominada “Tiefschnitt” o corte profundo que consistía en el vidriado y grabado del cristal de Bohemia mezclando bronce y cobre con el vidrio. Su creador fue Caspar Lehmann, que se convirtió en una figura fundamental en el grabado de la época.

En 1870 y gracias a los avances en el ferrocarril, los maestros vidrieros pudieron beneficiarse del uso del carbón. Esto junto con los avances tecnológicos en su fabricación y la innovación en grabado, hizo al cristal de Bohemia el elemento decorativo más demandado y su expansión fue inmediata hasta el parón de la II Guerra Mundial.

Cristal de Bohemia

Las obras realizadas en cristal de Bohemia tienen un acabado perfecto con una pureza y una calidad excepcional y un precio más que asequible. Su transparencia y su brillo son lo más característico siendo los artículos más demandados los candelabros, las copas y los vasos, las lámparas y las botellas.

El estilo de las obras realizadas, normalmente, suele ser sencillo, elegante y simple, aunque, dependiendo del momento, han llegado a ser extravagantes, sobre todo en el Art Nouveau.

Están sopladas y grabadas a mano, una a una, y los colores más característicos son azul turquesa, rosa y amarillo, aunque lo normal es que sean incoloros. Deben contener un mínimo de 24% de óxido de plomo y sin impurezas.

Fama

Su fama fue muy elevada en el siglo XVI y ninguna familia de alta alcurnia que se preciara podía privarse de poseer numerosos objetos decorativos de cristal de Bohemia: candelabros, apliques, lámparas de araña de estilos fantásticos, centros de mesa, jarrones, figuras de tamaños y motivos variadísimos, copas, vasos, botellas, frascos, bomboneras, jaboneras, joyas y cientos de objetos que fusionan vidrio e imaginación.

Bombonera de cristal de Bohemia en subastas Darley

Bombonera de cristal de Bohemia en subastas Darley

Actualmente siguen produciéndose grandes obras de cristal de Bohemia, más de 1 millón y medio de toneladas de vidrio de gran calidad que han ido esquivando a la competencia china y que dan clara señal de que la calidad siempre gana.

Joan Miró

Biografía

Joan Miró nació en Barcelona en el año 1893 hijo de un orfebre y relojero y la hija de un mallorquín. A lo largo de su vida fue escultor, pintor, ceramista y grabador y ha sido considerado uno de los máximos representantes del surrealismo del mundo.

Estudios

Estudió comercio por influencia de su padre pero tras muchas conversaciones se apuntó a la escuela de La Lonja en las clases nocturnas. Con diecisiete años entró a trabajar como empleado de una droguería pero problemas de salud le hicieron retirarse al pueblo durante 2 años, tiempo suficiente para que a la vuelta se planteara dedicar su vida, exclusivamente, a la pintura. Así que estudió en la Academia de arte de Francesc d’Assís Galí y en el Círculo Artístico de Sant Lluc donde conoció a Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens i Artigas, formando con todos ellos el grupo artístico Agrupación Courbet.

Se casó en 1929 con Pilar Juncosa y se instaló con ella en París donde tenía su taller. Tuvieron una única hija, Dolors. Años después volvió a Barcelona pero cuando estalló la Guerra Civil Española en 1936 decidió quedarse en París hasta que la Segunda Guerra Mundial les puso en un compromiso y tras un tiempo decidieron volver a Barcelona y más adelante a Mallorca. Volvió a Barcelona en 1942 y ya no se movería más.

Surrealismo

En el surrealismo encontró los que necesitaba su arte: lo onírico mezclado con lo inconsciente y con el Carnaval del Arlequín da pleno inicio a su etapa surrealista en un momento de su vida en el que vivía con una gran penuria. Según sus propias palabras:

“Intenté plasmar las alucinaciones que me producía el hambre que pasaba. No es que pintara lo que veía en sueños, como decían entonces Breton y los suyos, sino que el hambre me provocaba una manera de tránsito parecido al que experimentaban los orientales.”

Otras artes

Trabajó también como ilustrador para el libro Gertrudis de J.V. Foix; viajó por los Países Bajos y Bélgica empapándose de los grandes maestros lo que le sirvió para que años más tarde rompiera definitivamente con el surrealismo adentrándose en el mundo del collage y la escultura.

Sobre 1944 colaboró con su amigo Josep Llorens i Artigas en la elaboración de cerámicas de distintas composiciones y consiguió en encargo de dos murales cerámicos para la sede de la Unesco ubicado en París, de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros, que fueron inaugurados en 1958. A partir de ahí, el trabajo de ceramista le llovía y son muchas las obras que existen de él a lo largo del mundo.

Mientras tanto también se dedicó a la escultura que luego fundía en bronce. Le gustaba jugar con los volúmenes llegando a crear objetos totalmente inidentificables.

Murió el 25 de diciembre de 1983 en su casa de Palma de Mallorca tras haber dejado su inconfundible huella en este mundo.

Juan Gris, el pintor del cubismo

Biografía

Juan Gris es el pseudónimo de uno de los artistas más relevantes de nuestro arte. Realmente se llamaba José Victoriano González-Pérez. Nacido en Madrid en el año 1887 en una familia acomodada estudió en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid.

Trabajó en su juventud como ilustrado en Madrid Cómico y Blanco y Negro y alguna obra de Manuel Machado mientras estudiaba en la Escuela de San Fernando.

En el año 1906 se mudó a Paris para evitar la milicia donde conoció a Picasso y Braque. Como quería empaparse del arte francés del momento, durante su estancia en la capital francesa se alojó en un hotel, el Bateau-Lavoir, en el barrio de Montmartre.

Obra

Fue uno de los grandes maestros del cubismo español. Sus primeros intentos fueron cuando dejó su labor de ilustrador allá por 1910 aunque de esa época prácticamente no se conserva nada. Años después perfeccionó la técnica del papier collé, que consistía en hacer recortes de papel y cartón y pegarlos al lienzo combinado con el óleo.

Durante su vida no obtuvo ningún reconocimiento en España por sus obras cubistas y, prácticamente, hasta décadas después de su fallecimiento en Francia en 1927, su arte no fue expuesto como debía. Hasta el final de su vida, continúa ilustrando dibujos y grabados en publicaciones de vanguardia y exponiendo en las mejores galerías.

El Museo Reina Sofía, el Thyssen-Bornemisza o la Academia de San Fernando acogen la mayoría de sus obras y que desde luego merece la pena ser visitado.

La Real Academia de Bellas Artes de San Carlos

La Real Academia de San Carlos

La Real Academia de Bellas Artes de San Carlos en Valencia es una de las academias de Arte más importantes de España.

Historia

Ubicada en Valencia, sus orígenes vienen del reinado de Fernando VI ante la petición de muchos artistas valencianos de que creara una academia para formarse. Así se creó la Academia de Santa Bárbara en 1753 en la Universidad de Valencia. A la muerte del monarca la Academia desapareció hasta que Carlos III la retomó otorgándole la Real Cédula que seguía el mismo modelo que la de San Fernando en Madrid. Su nombre original fue Real Academia de las Tres Nobles Artes de San Carlos.

Años después, en 1838, se amplió el recinto con el museo de bellas artes y el museo de antigüedades pasando a estar en el Convento de El Carmen. Sus fundamentos eran académico mediante estudios de erudición artística, informes y dictámenes periciales; educativos, con la creación del Museo de Pintura y Escultura y didácticos, a través de enseñanza teórica y práctica en Bellas Artes.

La Academia, hoy

Actualmente la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos consta de cuatros secciones: Escultura, Arquitectura, Pintura y Música y su funcionamiento está regulado por decreto de la Comunidad Valenciana. Es una corporación cultural sin finalidad lucrativa que pretende estudiar, restaurar, conservar y ampliar las colecciones de Arte.

La Real Academia de Bellas Artes de San Carlos tiene por objeto el fomento de las Bellas Artes en todas sus ramas y expresiones, promoviendo, estimulando y contribuyendo a su enseñanza, ejercicio y difusión, y también velando por la conservación y enriquecimiento del patrimonio histórico, natural y cultural de España y, en particular, de la Comunidad Valenciana.

Por ella han pasado la mayoría de los grandes artistas valencianos como Sorolla, Benlliure, Antonio Muñoz Degrain, Rafael Esteve, Luis Planes, Ernesto Furió o Juan Bautista Porcar.

En Subastas Darley podrás encontrar obras de arte de alguno de estos artistas.

El “nuevo” siglo de oro de la pintura valenciana

El “nuevo” siglo de oro de la pintura valenciana

Ya hemos hablado de alguno de los pintores valencianos de los siglos XIX y XX, un período muy fructífero y con grandes artistas que supieron hacerse un hueco en la historia artística de nuestro país y que se ha denominado el “nuevo” siglo de oro de la pintura valenciana. Hoy, con este post, lo que queremos es hablaros, en general, de todos aquellos artistas a los que se conocía como luministas, instantistas e incluso impresionistas valencianos.

Todos estudiaron en la Academia de San Carlos en Valencia, donde pasaron sus primeros años de formación, recorrieron juntos Italia y Francia, donde ampliaron sus conocimientos con las nuevas técnicas que allí se daba y, muchos de ellos, coincidieron en las exposiciones que se realizaban en la sala de Exposiciones Nacionales de Bellas Artes.

La temática con la que se trabajaba en aquella época era muy variada e incluso variopinta, pero todos coincidían en los temas generales tales como los temas históricos, la pintura religiosa o la pintura de costumbres. Eso sí, siempre satisfaciendo los deseos de la clientela burguesa.

Pasemos ahora a hablar, brevemente, de algunos de los artistas que componen esta etapa del arte.

Ignacio Pinazo Camarlench

Empezamos con Ignacio Pinazo Camarlench. Nacido en Valencia en 1849 y fallecido en Godella en 1916, fue uno de los artistas más destacados de la época. De familia muy humilde, pronto empezó a trabajar para ayudar a sustentar a su familia como platero, pintor de abanicos o decorador de azulejos. Cuando murieron sus padres comenzó sus estudios en Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia mientras trabajaba de sombrerero. Pintó escenas de la vida cotidiana, desnudos y temas históricos y familiares. Fue profesor y académico en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y de San Fernando. Se casó con Teresa Martínez Montfort y tuvo 2 hijos, también pintores, Ignacio y José. Su obra la podemos ver en la Basílica de la Asunción en Cieza (Murcia) y en el Museo de Bellas Artes de Valencia – San Pío V. La mayor colección de obras de este autor se encuentra en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, con más de cien cuadros y de seiscientos dibujos que, en parte, provienen de la familia.

Francisco Domingo Marqués

Nació en Valencia en 1842 y murió en Madrid en 1920 siendo uno de los pintores eclécticos de la época. Comenzó sus estudios, también, en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia aunque se trasladó a Madrid para terminar su formación en la de San Fernando. Fue profesor de la Academia de San Carlos, enseñando a los hermanos Benlliure, viajó a Roma y a su vuelta se reparte entre Valencia, Madrid y París. Se le considera el iniciador de las novedosas y audaces técnicas de la pintura decimonónica valenciana.

José Benlliure Gil

Pintor español nacido en Valencia en el año 1855 y fallecido en Valencia en 1937, Benlliure nació en un familia de artistas que le permitió explorar su lado artístico, de hecho, sus hermanos Mariano y Juan Antonio Benlliure fueron también grandes artistas conocidos. Su formación en la Escuela de San Carlos de Valencia comenzó a la edad de 14 años siendo enviado años después a Roma para que aprendiera de los clásicos y ampliara sus conocimientos. Después estuvo en Argelia, Marruecos, Milán o Múnich donde aprendió y fue miembro de las Academias de Arte más importantes. Cultivó la pintura de género, los temas religiosos y la pintura costumbrista que representaba la vida de la Valencia de aquella época. Realizó un total de 66 obras.

Antonio Muñoz Degrain

Pintor español que supo mezclar el romanticismo con el modernismo y que, hasta hace poco, ha sido infravalorado injustamente por su inquietud y temperamento a la hora de expresar sus sentimientos en las obras que creaba. Nació en 1840 en Valencia y falleció en Málaga en 1924. También estudió en las Academia de Bellas Artes de San Carlos en Valencia. Fue profesor en Escuela de San Telmo de Málaga, impulsando la escuela malagueña de pintura, y años después Director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

Joaquín Sorolla Bastida

El más conocido de los pintores valencianos de la época y artista prolífico que nos ha dejado para la historia más de 2.200 obras. Huérfano a una edad muy temprana fue acogido por sus tíos que pronto se dieron cuenta de que su futuro estaba en la pintura. En su juventud se recorrió muchas veces el Museo del Prado para aprender de los grandes maestros y estuvo varias veces en Roma y París. Fue retratista y académico en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. Desgraciadamente en 1920 sufrió una hemiplejia que mermó sus facultades físicas y le impidió seguir haciendo lo que más le gustaba, pintar. Murió tres años después en su residencia veraniega de Madrid.

Otros

Pero no sólo fueron estos los artistas más importantes de la época, simplemente son lo más conocidos, porque muchos fueron los que hicieron que los siglos XIX y XX fueran la máxima expresión de arte de Valencia. Algunos de ellos fueron los hermanos Salvador y Enrique Martínez Cubells; Joaquín Agrasot, Emilio Sala Francés, Cecilio Plá, José Pinazo, Manuel Benedito Vives, Francisco Pons Arnau, Ernesto FurióJuan Bautista Porcar y otros tantos que se aunaron en un sentimiento único de deleitación de la estética del arte.

En Subastas Darley tenemos un gran interés en la pintura de esta época y subastamos muchas obras tanto de estos artistas de los que hemos hablado anteriormente como de otros no tan conocidos pero no por ello menos importantes.

Pásate a visitarlos.

Blog de Arte de Subatas Darley